Son palmarès est impressionnant : Maison Autrique, Bibliothèque Solvay, Maison Delune, Gare Centrale, Maison Saint-Cyr, Palais de Justice, Villa Empain… tous ces bâtiments, et bien d’autres, ont reconquis leur identité grâce à sa pratique de la restauration respectueuse des œuvres et de leurs auteurs.

Quel a été votre parcours ? J’ai étudié l’histoire de l’art à l’université de Gand tout en apprenant à travailler le bois et la pierre, le week-end et les vacances scolaires, dans des ateliers d’artisan. Après une collaboration avec le plasticien et sculpteur de polyester Nick Ervinck, j’ai entrepris une formation de design à Malines. Mon amour des matériaux, je le dois à mes parents qui étaient antiquaires. L’expo à l’atelier Jespers de Bruxelles, en 2015, a tout déclenché. La même année, mon travail a été récompensé par le prix Henry Van de Velde.

Pouvez-vous expliquer votre technique ? Dans ma pratique du design, je pars toujours des matériaux bruts. J’aime travailler les matériaux massifs, traditionnels et millénaires. Je les apprécie pour leur beauté et leur force naturelle. Mes méthodes de travail combinent techniques anciennes et manuelles comme le ponçage laborieux avec la numérisation et la sculpture digitale à commande numérique (CNC). Pour réaliser la table Ex Hale, j’ai fabriqué un moule en métal gonflé d’air. J’ai scanné cette forme en 3D pour la reproduire dans un bloc de marbre , grâce à une machine CNC. Les finitions à la main et le sablage sous pression adoucissent la matière ou évoquent le ton patiné d’un coussin, l’illusion s’un textile imprimé. 

Comment réussissez-vous à inverser les impressions visuelles ? J’interroge le sens commun. Par exemple, la pierre doit-elle toujours paraître lourde ? En créant des formes qui frôlent les frontières de l’impossible, j’entraîne le spectateur à porter un regard neuf sur les matériaux familiers. Pour obtenir la finesse du plateau de la table In Vein, j’ai frôlé les limites de l’extrême. J’ai travaillé un plateau d’une épaisseur de 4 mm sur les bords, tout en conservant la solidité du marbre, je l’ai renforcé, en son centre, avec de la mousse et une plaque, comme un matériau sandwich et je l’ai augmenté, à cet endroit, de 4 à 5 cm. Le nom de cette table double fonction évoque à la fois les veines du marbre et le concept de Vanity, car le verso du plateau fait office de miroir, à poser contre un mur. 

Obtenir un équilibre esthétique entre les matériaux est aussi très important. Les détails en cuir sur les tréteaux métalliques apportent une certaine douceur. Je n’imaginais pas de réaliser des rainures pour leur pliage et dépliage. Pour composer les tables In Hale, installées en parfait équilibre sur un coussin métallique, j’ai d’abord fabriqué les deux parties de l’enveloppe inférieure. Je les ai soudées ensemble comme une housse en laissant une ouverture pour les remplir d’air alors que la plaque de marbre, en partie supérieure, était déjà en place. 

Pour la lampe Out of line, quel était le concept ? Pour cette pièce, j’ai revisité la méthode de fabrication traditionnelle du tambour, réalisée à partir des lamelles de bois. C’est totalement innovant et expérimental. J’ai juxtaposé de fines lamelles de marbre de 2 centimètres de large sur un textile, espacées, l’une de l’autre, de seulement 8 mm, pour les maintenir ensemble. Ma première pièce en prototype, un paravent, s’est révélée trop fragile à l’usage. Alors, j’ai imaginé une lampe avec abat-jour modulable, de dimensions réduites. Mais je dois encore perfectionner cette technique. Avec ce procédé, j’ai aussi l’idée de réaliser un siège avec un dossier en 3 D à partir d’une plaque de marbre mais qui restituerait le dessin complet de la veine. En utilisant une plaque, plutôt qu’un bloc, j’économise de la matière. 

Comment avez-vous procédé pour le verre massif ? Le verre massif est coulé comme pour une sculpture en bronze, dans un atelier, en Tchéquie, un expert dans cette technique. Ces artisans travaillent aussi avec des artistes pour fabriquer leurs œuvres. La première pièce réalisée, avec eux, était une œuvre murale. Le moule a été réalisé sur mesure, en plâtre, également par leurs soins. La table basse In Hale en verre translucide a nécessité plus de 30 jours de fabrication. Le matériau doit devenir liquide pour être coulé dans le moule puis refroidir très lentement, dans le four, pour ne pas se briser.

Ben Storms exposera à Bruxelles à Art on Paper du 6 au 9 octobre 2022. Et ses créations s’envoleront en 2023 pour le Japon. 

www.benstorms.be

Qu’avez-vous retenu de l’expérience chez Olivier Dwek ? Sa créativité, son intégration de l’art, sa détermination, sa ténacité m’ont surtout marqué. De mes 7 ans chez lui, j’ai gardé, le souci du détail, l’amour des belles matières, l’intransigeance pour les lignes épurées. Aujourd’hui, je travaille avec 3 personnes, dont Geoffroy, qui est venu plus récemment compléter notre équipe. Mes collaborateurs sont multitâches car ils m’épaulent dans le suivi de plusieurs projets, de A à Z, du gros-œuvre à la déco ! J’aime qu’ils s’imprègnent des dossiers autant que moi. Je garde le choix de la création et des matériaux, avec les clients, mais tout le reste, on le fait ensemble. J’aime travailler avec des architectes organisés, méticuleux, logiques. 

Comment réussissez-vous à concilier architecture minimaliste et besoins humains ? Je ne me considère pas comme une architecte minimaliste pur jus ! J’en conserve évidemment les lignes épurées, le souci du détail pour faire disparaitre les techniques. Le « less is more », c’est magnifique dans les galeries ou musées mais pas toujours facile à vivre dans une maison familiale ! J’aime de plus en plus arrondir les angles, le mélange des matières, des couleurs, des styles, des époques. Bref tout ce qui rend un endroit vivant et personnel, pour ressentir de la joie et de la bonne humeur quand on rentre chez soi. Donc le minimalisme, oui, avec plaisir, si le projet s’y prête ! La leçon du Bauhaus était de réaliser ses projets  comme une « œuvre d’art totale ». Moi-même, je n’arrive pas à concrétiser un projet sans imaginer les vues, son environnement, son contenu. Dès mes plans d’esquisse, je me retrouve à dessiner les abords, à proposer des tableaux et des sculptures, du mobilier et de la déco. J’ai besoin de m’imaginer bouger et profiter des espaces que je crée. J’adore mon époque car toute l’histoire de l’architecture inspire l’architecture d’aujourd’hui. On est libre de briser les codes, de proposer des mélanges osés. J’avoue avoir un faible pour le modernisme qui rompt radicalement avec le passé. Et un des grands défis actuels est de concilier architecture et impératifs énergétiques : un véritable virage s’amorce aujourd’hui dans notre métier.

Être mère avec 3 enfants est-il un avantage pour aménager un intérieur ? Le gros avantage d’être une maman qui travaille, c’est qu’on sait planifier, organiser, déléguer, bref « être efficace », et on n’a pas le choix. Pour cette raison, certains clients se sentent rassurés avec moi car je peux anticiper leurs besoins. Je me projette très facilement dans leur projet de vie et j’adore ça ! Est-ce ma féminité ou un trait de caractère qui fait que j’accorde beaucoup d’importance à l’ergonomie et à l’usage quotidien dans mes réalisations ? Sans doute ! Et pareil pour mon sens de l’écoute qui est la genèse de tout projet. Mais j’ai aussi d’autres passions, en dehors de mon travail et de ma famille, car il m’est essentiel de prendre du temps pour moi. Certains moments de grâce me stimulent et m’inspirent ! J’ai toujours aimé les sports d’adrénaline et surtout me retrouver seule face aux éléments plus forts que moi. J’aime la mer, de façon inconditionnelle, et les sports qui s’y pratiquent : planche à voile, ski nautique, plongée sous-marine. Et j’ai découvert un sport plus accessible : l’escalade en milieu naturel. Après une journée d’escalade à Freyr, un site exceptionnel en Wallonie, je relativise tout. Je suis sereine et détendue. C’est puissant ! En observant les artisans avec qui je travaille, j’ai eu aussi une forte envie de contact direct avec la matière. Je me suis mise à la poterie qui me procure un plaisir méditatif.

Aimeriez-vous vivre dans les espaces que vous concevez ? C’est là toute l’ambiguïté de mon métier. Je rêve de m’installer dans chacune de mes réalisations. Ma maison idéale serait située sur un site exceptionnel et j’aurais la liberté totale de laisser libre cours à mes envies architecturales. J’aime beaucoup d’endroits différents sur cette terre et cette maison serait la continuité de son environnement  ! Elle sublimerait les éléments naturels qui l’entourent et serait composée de matériaux authentiques… Quant à ma vraie maison, typique du style Paquebot, tout en longueur avec de beaux arrondis, elle est signée Gaston Brunfaut.  

Quelles sont vos réalisations en dehors de la Belgique et vos derniers projets  ? Un appartement en Floride, une rénovation en Sardaigne, des plans de projet pour une maison au Mali, une transformation d’un chalet à la montagne… un autre projet à Dusseldörf. Actuellement, je termine une villa à Knokke et une autre à Grez-Doiceau. En cours, une construction neuve et deux rénovations à Rhode-Saint-Genèse, un autre chantier à Uccle et un gros projet de coworking dans un ancien garage à Matongué. Nous avons aussi complètement transformé une maison à Waterloo en agence immobilière. J’y ai installé mes bureaux à l’étage… après avoir longtemps travaillé à la maison et partagé des bureaux d’entreprises de construction.

www.julieruquois.be

Le président du Royal Waterloo Golf Club et l’agence d’architecture DF & Associés ont fait appel à Marie’s Corner pour les assises du restaurant, du bar, du salon télé… Une tripartite, c’est avant tout une aventure humaine ? Le Royal Waterloo Golf Club a en effet mandaté le bureau d’architecture DF & Associés pour le gros œuvre, les finitions intérieures et la déco, lequel a fait appel à nous pour les assises. Mais l’un et l’autre connaissaient notre maison, notre réputation, notre expertise en la matière et étaient également sensibles au fait que nous sommes une Maison belge qui continue à produire en Europe. Cette tripartite a exigé de nombreuses réunions. Il fallait être à l’écoute du client, répondre à ses attentes, ses exigences. Sur la longueur du chantier, s’est développée une belle aventure humaine à laquelle, en effet, je suis très sensible. Les belles rencontres et la satisfaction du client sont en tout point gratifiantes.  

Quelles furent les exigences du golf et des architectes ? L’idée était d’ajouter au « dining » traditionnel, du « low dining », un concept très tendance où les tables et les sièges sont plus bas, les assises plus profondes, le tout alliant confort et convivialité. Le fait d’avoir associé, dans un même espace, ces deux concepts apportent un joli cachet au Club House. On a envie de s’y installer et d’y rester.

La personnalisation des assises, c’est votre point fort ! Oui, car si sur ce projet pour le Golf Club du Royal Waterloo, il n’y a pas eu de sur-mesure, on a néanmoins adapté plusieurs pièces du « dining » en « low dining ». Le fait que nous travaillons le monoproduit, les assises uniquement, renforce également notre expertise en la matière. Nous sommes les spécialistes du siège « tailor-made ».

Le cocooning a toujours la cote. Le Club House devient une sorte de refuge…  Le client est toujours en quête d’endroits très cosy. On a donc importé dans l’horeca des codes de la maison. Le « feel at home » est très recherché. Le Club Housedu golf de Waterloo dégage une atmosphère stylée et très cocooning.

Y’a-t-il un style Club House ? Il doit correspondre à un panel très hétéroclite de clients à séduire. Les membres du Royal Waterloo Golf Club sont variés, plusieurs générations s’y côtoient. Contrairement aux restaurants ou hôtels qui ont un segment de marché bien défini, un golf brasse plus large.

Comment plaire au plus grand nombre ? Il faut jongler avec les modèles, les matières et les couleurs. Je prends un exemple précis : nous avons proposé des canapés Club-House, un modèle Chesterfield, c’est-à-dire un classique indémodable, intemporel, que nous avons réinventé. Sa version plus contemporaine en velours de couleur séduit également une génération plus jeune …

La déco, ça évolue ! Le Royal Waterloo Golf Club, comme d’autres, a opté pour une commande en MC Rent. En quoi consiste cette formule ? Il s’agit d’une formule unique de leasing que nous avons créée en 2018 pour les professionnels de l’Horeca. Pour faire court : elle permet aux hôtels et restaurants d’assurer l’ameublement de leur projet en mensualisant les frais. Quand on a beaucoup dépensé pour le gros œuvre et la déco, il reste parfois peu de budget pour les assises ! Ensuite, nous assurons l’entretien et la réparation des fauteuils, canapés, etc., pendant toute la durée du leasing, soit 4 ans. Enfin, au terme du contrat de leasing, l’utilisateur garde son mobilier s’il le trouve toujours à son goût ou le renouvelle pour des assises up-to-date via un nouveau contrat de leasing. En résumé : c’est une formule qui offre de la flexibilité financière, un service entretien et une franche flexibilité en fin de leasing.

Qu’est-ce qui rend un canapé Marie’s Corner iconique. Après 30 ans de carrière, vous devez avoir la réponse ! (Rire) C’est le public qui le rend iconique, pas ses créateurs. Tout d’un coup, tel ou tel fauteuil plait à beaucoup et ne se démodant pas, il traverse le temps.  Il n’y a malheureusement pas de recettes. Il m’est arrivé de dessiner des modèles qui sont devenus iconiques bien malgré moi et d’autres auxquels je croyais dur comme fer, et qui ont rencontré moins de succès.

www.mariescorner.be
www.dfassocies.be
www.rgwc.be

Quelle formation avez-vous suivie ? Alors que mes parents ont remarqué, dès l’âge de 13 ans, mes capacités artistiques, je n’ai pas suivi de cours dans une école d’art. Ce type d’enseignement m’a refroidi. En Belgique, j’ai opté pour une formation courte en gestion d’entreprise. Remarqué sur la plateforme MySpace, j’ai débarqué, avec une certaine dose d’inconscience, un niveau d’anglais très moyen et pas de plan B, si j’échouais. Mais j’avais choisi un pays ouvert où les étrangers et les Européens qui ont réussi sont nombreux. A l’école de la débrouille, 3 portes se sont ouvertes et rien ne s’est passé. Puis un jour, vous passez à la télé, on vous écoute et votre avis devient important. Je me rappelle de ma première émission TV : à l’occasion d’un réveillon de Noël, je devais décorer une table. Je ne comprenais pas les questions et je répondais à côté mais les retours dans les audiences et les commentaires ont été bons.     

Comment s’est déroulé votre premier projet ? Il s’agissait d’une maison à Malibu, une sorte de ranch immense avec 4 bâtiments  de 1700 m2. J’ai proposé un style élégant et de bon goût, dans l’esprit de Ralph Lauren, l’idéal à l’américaine en version western. J’avais 3 mois et demi… des délais classiques ici, car il y a beaucoup de compétitivité entre les entreprises. J’ai réalisé ensuite le yacht et le jet privé du même propriétaire. J’ai intégré les codes et normes strictes de ces espaces où les règlementations sont drastiques. La première année m’a mis le pied à l’étrier.    

Quelles sont les caractéristiques de votre clientèle ? Elle est exigeante et perfectionniste. Il ne faut pas lui dire non. A Los Angeles, on vit à 100 à l’heure. Rihanna me disait qu’elle considérait sa maison comme le seul endroit où elle ne se sentait pas jugée pas et où elle pouvait inviter qui elle désirait. Pour certains clients, j’ai déjà réalisé 5 à 7 maisons en 10 ans. A chaque chantier, il faut se surpasser pour que chaque client ait la même chose que les autres mais en mieux. Mes clients sont des enfants qui ont de gros moyens. Je conserve toujours un contact direct avec eux. Ils se découvrent souvent une passion pour la décoration dans l’espace de liberté que l’aménagement de leur maison leur offre.

Comment définissez-vous votre style ? Mon style est direct, extraverti, très créatif, comme le style de mes clients, acteurs, chanteurs… des créatifs dans leur domaine. Je lis beaucoup, j’apprends à travers l’art et je propose toujours à ma clientèle des œuvres pour personnaliser leur espace de vie. Mais je ne définis aucune hiérarchie entre les objets, je peux mêler de la vaisselle chinée pour quelques dollars avec de la cristallerie prestigieuse, des meubles vintage et des pièces uniques très modernes. Par contre, je n’ai pas d’attirance pour les copies d’anciens et les styles historiques sortis de leur contexte. 

Quel est votre modèle ? Karl Lagerfeld, avec son talent multidisciplinaire et sa puissance de travail, est mon modèle. Très cultivé, il a aussi sauvé des maisons d’artisanat d’art et des métiers en voie de disparition en les faisant racheter par le financier Bernard Arnault. Je travaille 20 h par jour et ne prends quasi jamais de vacances. Je suis à 100 % dans mon travail et rien ne peut me rendre plus heureux. Avec mes 3 sociétés, je me dois d’être multitâche et je ne délègue pas facilement à mes assistants. Il y a quelques années, mon frère m’a suivi et il m’épaule avec ses compétences d’avocat.

Avez-vous une méthode ? Il faut d’abord comprendre le style de mes clients. Pour cela, je les écoute beaucoup, avant de faire mes propositions, surtout lors du premier rendez-vous, car 60 à 70 % des informations sont communiquées pendant cette première séance de travail. Dans les détails, on apprend beaucoup sur leur personnalité qui peut être très différente de leur image publique. Ensuite, si j’ai le temps, je fabrique des mood boards, avec des photos, des échantillons. Je pratique mon métier, à l’ancienne. Une idée de tee-shirt déchiré peut se transformer en canapé. Je choisis des meubles avec eux. Mais avec les célébrités, c’est souvent impossible de sortir pour faire des achats dans une boutique, sans qu’une horde de curieux ou de fans vous suive voire provoque une émeute !

Quels sont vos projets actuels ? Je vais bientôt créer une classe avec le désir de transmettre mon expérience mais aussi d’expliquer aux jeunes générations qu’il faut croire en ses rêves. Si on est passionné, il faut se lancer et on peut réussir en travaillant. J’aimerais refaire un show télévisé avec de jeunes candidats, en Asie ou aux Etats-Unis. Et surtout, je souhaite laisser une trace : créer une collection de meubles ou collaborer avec des éditeurs et marques pour dessiner des objets. Je ne les imagine pas forcément élitistes, de Baccarat à H & M, tout m’intéresse. C’est un challenge de créer avec des petits budgets. Et ce serait un plaisir de voir mes créations choisies, parmi tant d’autres, dans les intérieurs d’un plus large public.

www.maximejacquet.com

Comment pouvez-vous définir Afílo ? L’origine du nom Afílo, voulait interpréter un signe architectural, il signifie le « fil à plomb » en italien. Ce terme exprime la précision, l’esprit sur mesure de nos projets. Accueil soigné, discussions et échanges constructifs, exclusivité des produits, nous valorisons notre différence. Nous sommes des “interior designers ” spécialisés dans l’excellence du “made in Italy”, capables de transcender les espaces avec des solutions inédites d’aménagement, des matériaux sublimés. Nous avons choisi des systèmes qui cachent des techniques de pointe. Nous voulons transmettre la magie de l’innovation qui se combine à l’émotion et à la sensibilité des matières. Les projets que nous suivons nécessitent beaucoup de réflexion et des études qui s’étendent de 9 mois à 1 an pour aboutir. Et ils évoluent souvent car nos clients découvrent chez nous des réponses inédites.

Pourquoi avoir choisi des marques italiennes ? Lorsque vous cherchez des solutions informatiques vous allez à la Silicon Valley au États Unis. Pour le design d’intérieur, la référence, c’est l’Italie. Les entreprises sont localisées essentiellement dans la région Brianza à proximité de Milan et autour de Venise. Nous avons établi une collaboration étroite avec un nombre restreint de fabricants italiens tous hautement spécialisés dans leur secteur d’activité : Minimal, Rimadesio, Minotti, Lema, Porro, Oikos, Viabizzuno, et bientôt une autre firme spécialisée dans la cuisine, Modulnova, va nous rejoindre pour offrir une offre premium élargie. Nous avons étudié pendant 2 ans son évolution avant de lui proposer de nous rejoindre. Toutes les collections doivent nous ressembler et ressembler à notre clientèle. Le fait que je sois originaire de l’Italie, c’est mon petit clin d’œil à ma région d’origine, le Lac Majeur au nord de Milan, ou sont présents un nombre important d’entreprises, facilite les contacts humains et les collaborations étroites avec les fournisseurs. En Italie, les entreprises sont souvent composées de structures familiales qui combinent à la fois innovation, technologie et une forte valorisation du travail artisanale. 

La production est locale, reste souple et on peut intervenir pour s’adapter aux besoins particuliers d’un projet. Le même esprit que lorsque vous allez en Italie dans la plupart des restaurants ou ils sont attentifs à vous faire plaisir avez la possibilité de personnaliser vos choix ! La sélection des produits est un long parcours de rencontres humaines, d’émotions qui donnent comme résultats une qualité irréprochable sous différents points de vue, des solutions durables et une grande attention est réservée à l’évolution de notre environnement. 

Pouvez-vous donner quelques exemples ? Nous aimons surprendre nos clients avec des produits à la technologie éprouvée qui combine éléments industrialisés et finitions artisanales. Identitaires, ils racontent des histoires. Par exemple la philosophie qui a accompagné la ligne de conduite des cuisines Minimal dans certains projets réalisés en collaboration avec l’architecte japonais de renom Tadao Ando. Nous proposons des portes d’entrée architecturales en verre blindé sur-mesure par ses finitions et pouvant atteindre des tailles jusqu’à 6 m de hauteur et 3,00 m de large.

Quel est le rôle de votre showroom ? Il joue en rôle majeur de notre identité, car il accompagne notre bureau d’étude à l’expression de nos idées, il veut être un espace ou le visiteur partage une expérience.

Outre notre showroom, nous avons ouvert en 2012 le flagshipstore Rimadesio.

Ces espaces sont indispensables pour approcher la subtilité des matières et de leurs finitions, comme la magie de la maille de métal, insérée dans le verre qui joue avec la lumière artificielle ou naturelle, ou le verre mat traité anti-griffure. Les matières sensuelles doivent être touchées et caressées. Un catalogue ou une présentation virtuelle ne permet pas, par exemple, d’apprécier personnellement une paroi coulissante qui glisse parfaitement dans ses rails.

www.afilo.be

Quelles école et formation avez-vous choisies ?  J’ai fréquenté l’Académie de Sint-Niklaas. C’est une formation à temps partiel, que j’ai combinée, tout en travaillant, avec une activité quotidienne de graphiste. C’est un enseignement qui dure 6 ans et qui met beaucoup l’accent sur le développement personnel. Lorsque j’étais en dernière année, Vincent Van Duysen a remarqué mon travail et m’a demandé de commencer à travailler pour lui. Je me considère toujours très chanceux que Vincent m’ait donné cette chance. Débuter ma route à ses côtés, a été une expérience déterminante pour la suite de mon parcours. J’ai beaucoup appris de son approche sensuelle, de l’expérience physique de l’espace, de l’utilisation de matériaux tactiles et de l’importance de placer l’intégrité de l’utilisateur au cœur de nos préoccupations. J’ai décidé de quitter le bureau de Vincent lorsque j’ai remporté le concours de l’hôtel Robey à Chicago. Un peu plus tard, j’ai également eu l’opportunité de concevoir le siège de la marque belge de meubles Tribù. A cette époque, combiner mes propres projets et mon travail de directeur de création chez VVD (Vincent Van Duysen) n’était plus possible.  

Comment définissez-vous votre style ? A l’agence, notre style se caractérise par une approche pure et essentielle des problèmes fondamentaux d’espace, de proportion et de lumière. Chaque commande est considérée comme un projet au design unique. Nous faisons bien sûr appel à des réalisations sur mesure. De nombreux éléments sont personnalisés (de l’éclairage au mobilier en passant par les poignées de porte) sont conçus spécifiquement pour chaque lieu, afin de créer un équilibre idéal entre les lignes de architecture et l’aménagement de l’intérieur, toujours adapté aux besoins spécifiques du client. 

Quelles sont vos sources d’inspiration ? Tout ce qui m’entoure peut être source d’inspiration. Il y a tellement de choses dans la vie quotidienne qui semblent banales à première vue mais qui peuvent créer un fort sentiment d’inspiration. La beauté inspirante est partout, il suffit d’y jeter un œil et de la saisir.  Mes modèles sont trop nombreux pour tous les mentionner, mais en voici quelques-uns : Carlo Scarpa, Dom Hans van der Laan, Luis Barragán, Jean-Michel Frank, Pierre Chareau, …

Les espaces extérieurs et les jardins sont-ils importants dans votre travail ? Oui, les jardins sont très importants dans notre travail. Nous visons toujours la globalité d’un projet où l’architecture, l’intérieur et l’extérieur sont intimement liés. Tous les éléments sont connectés les uns aux autres. Dans certains projets, nous définissons nous-mêmes les contours des jardins, en fonction des vues et des axes de l’architecture, mais dans la plupart des projets, nous essayons de collaborer, dès le début, avec l’architecte paysagiste ou le jardinier.  

Comment appréhendez-vous les matériaux? Les matériaux jouent un rôle clé dans nos conceptions. Nous privilégions les matières naturelles avec une finition vieillie, patinée, pour exprimer un certain vécu. Nous aimons travailler avec des matières chaleureuses et naturelles, qui font référence à la terre, à ses teintes denses et ses nuances délicates. Les matières simples et authentiques qui ne sont pas nécessairement à la mode, mais plutôt intemporelles ont notre préférence, même si cela est aussi une tendance actuelle.

Participez-vous à la conception de mobilier ? J’ai dessiné une ligne de meubles extérieurs commercialisée par la société belge Tribu, et actuellement, j’ai de nouveaux projets dans ce sens car je travaille sur une nouvelle collection pour ce même éditeur. Elle sera lancée l’année prochaine. Je présente toujours ma propre gamme d’objets, baptisée ICO. Il s’agit d’une collection assez restreinte et entièrement fabriquée à la main en Belgique. Les formes sont à la fois sculpturales et fonctionnelles. Ce sont des objets qui sont conçus pour durer. Actuellement, je développe également une gamme de luminaires, basée sur la modularité, que j’ai déjà développé dans le cadre de projets résidentiels. Et une nouvelle collection d’objets ménagers pour l’entretien de la maison est également en route.

Quelles réalisations sont en cours ? Actuellement, nous travaillons sur de grandes rénovations et des maisons privées nouvellement construites en Belgique et au Royaume-Uni, une résidence d’artistes et une maison de vacances en Espagne, un grand immeuble de bureaux qui a toutes les caractéristiques d’une maison. Mais un de mes rêves est d’avoir, un jour, carte blanche pour l’aménagement intérieur d’un yacht de luxe. Dans ce type de projets, en tant que designer, votre savoir-faire est alors pleinement pris en compte. Il y a des limitations techniques et des règlementations pour la sécurité, dont il faut tenir compte, mais l’équipe qui se charge de mettre en place ce type de réalisation a généralement un énorme savoir-faire. Cela vous donne également plus d’options et de marge de manœuvre, en tant que concepteur, pour aller jusqu’au bout.

www.merckxinteriors.com

Lorsque l’on pousse la porte de Pollen Atelier, Il y a d’abord les couleurs qui nous emportent. Du jaune, du rosé, des tonalités de bleu et d’oranger, teintes vives comme nuances pastel. Affleure ensuite le parfum, celui d’un champ de fleurs, transposé en plein Bruxelles. Puis les contours se précisent et laissent apparaître des dizaines de bouquets et bottes, frais et séchés, qui recouvrent chaque espace disponible, suspendus au plafond comme disposés dans des pots et des soliflores. Tout à la fois sublimés et conservés dans leur essence champêtre. Quintessence même de l’âme de cet atelier fleuri et créatif, cueillir et préserver les plus fragiles créations de la nature et les faire perdurer avec délicatesse. 

Fleurir les jours heureux et les intérieurs

En lançant Pollen Atelier, en décembre 2019, Aurélie Theunis troque un emploi d’account manager dans une agence de communication contre une plongée dans un monde qu’elle aime depuis l’enfance, celui des fleurs. Un projet un peu fou, commencé dans la cuisine d’un appartement de la capitale, autour de quelques bottes de fleurs fraiches, achetées au marché le matin même. Avec le pari audacieux de fleurir les mariages et d’en réaliser aussi couronnes et bouquets. Mais quelques mois après s’être lancée et avoir ouvert un premier atelier, la pandémie redistribue les cartes et fane toute possibilité de fêter les jours heureux. Aurélie doit alors repenser tout son concept et les fleurs séchées cette fois, s’imposent comme une évidence. « Soudain, les évènements, les mariages, étaient mis à l’arrêt. Après des moments de doute et de questionnements, nous avons alors commencé à livrer des bouquets de fleurs séchés et l’engouement a été immédiat. Les fleurs séchées demandent un travail particulier, vu leur fragilité et leur délicatesse. Mais elles se révèlent plus écoresponsables et durables, pouvant orner des lieux durant des années, ce que j’apprécie beaucoup. Une connaissance qui possédait un vaste champ de tulipes, nous a en parallèle aussi proposé de venir y cueillir des fleurs, pour ne pas laisser mourir sa production. De là est né le concept d’une plateforme proposant pour un bouquet acheté, un autre offert au personnel soignant. C’était l’occasion, autour d’une collaboration temporaire, de faire gagner la solidarité. Et c’est près de 2500 bouquets qui se sont vendus par ce biais ». 

Laisser germer la créativité

Pollen a alors un site internet mais pas de boutique physique. Après quelques semaines passées à l’Auberge Espagnole, pop-up accueillant entrepreneurs et créateurs en quête d’un lieu où tester leur projet, Pollen pose ses valises débordantes de fleurs au Ciaccia, un resto bar en plein quartier du Châtelain, à l’activité mise entre parenthèses par la crise sanitaire et transformé en atelier végétal, pendant plus de quatre mois. Aurélie Theunis voit alors fleurir les opportunités. En plus des mariages, Pollen Atelier se lance dans les montages créatifs, installations atypiques et sublimes pour des boutiques et marques. C’est ainsi qu’elle pare la vitrine de Pierre Marcolini de citrons dans un écrin de feuillage, celle de Coucou Shop d’une fresque en fleurs des champs ou encore les bureaux d’Orta Store d’un grandiose montage. Si chez Chanel, Delvaux ou Dior, Pollen propose des ateliers créatifs sous forme de bars à fleurs, Aurélie met la même énergie à concevoir un bouquet de Fête des Mères, une pince complétant un voile de mariée ou un projet de plusieurs semaines visant magnifier une enseigne. Une énergie matinée de sensibilité et d’élégance et mue avant tout par la créativité : « J’adore le principe de pouvoir décliner la fleur sous de multiples formes, avec des énergies et des élans différents. Me rendre sur place, chez les gens ou en boutique et imaginer les lieux réinventés une fois fleuris, en fonction de l’espace, des textures, des matières. »

Mais Pollen, c’est aussi un savoir-faire et une attention toute particulière portée à chaque fleur, chaque bouton, comme à chaque client « Les fleurs séchées divergent totalement des fleurs fraiches. D’abord de par leur réalisation, puisque les tiges séchées sont nettement plus fines. Il en faut près du double pour composer un bouquet. La réalisation est elle aussi plus complexe car plus délicate. La plupart de nos fleurs viennent de Hollande. Une partie est déjà prête, mais nous en faisons nous-mêmes sécher plus de la moitié. Un processus de nettoyage d’abord puis d’accrochage et ensuite deux à trois semaines de séchage». 

Dans les yeux et le sourire d’Aurélie, rayonne aujourd’hui le rappel de l’incroyable chemin parcouru en seulement trois ans par Pollen Atelier. De ce projet nourri et cultivé à coup d’idées parfois risquées mais toujours passionnées, tentées sur une impulsion soudaine et transformées en paris réussis. D’une expérimentation maison à, depuis septembre 2021, un nouveau pied à terre Ixellois, tout à la fois atelier et boutique, dont chaque recoin respire la poésie. De ces mois de travail seule chez elle, à l’équipe de cinq personnes fixes et de multiples intérimaires qui font désormais vivre et grandir Pollen. Et aux rencontres avec les amoureux des fleurs et tous ceux en quête d’une dose d’évasion champêtre à distiller dans leur intérieur, lors de marchés dédiés ou encore d’ateliers créatifs et d’EVJF. « Aujourd’hui, il arrive qu’on reçoive des mails ou des appels simplement pour nous remercier pour nos bouquets. Où que des gens entrent dans la boutique, charmés par la décoration et la façade de celle-ci. De petites attentions qui boostent au quotidien et nous rendent d’autant plus fiers et heureux de nos créations. »

www.pollenatelier.be